Victoria Charles
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Développé à travers l'Europe pendant plus de deux cents ans, l'art gothique est un mouvement qui trouve ses racines dans la puissante architecture des cathédrales du nord de la France. Délaissant la rondeur romane, les architectes commencèrent à utiliser les arcs-boutants et les voûtes en berceau brisé pour ouvrir les cathédrales à la lumière. Période de bouleversements économiques et sociaux, la période gothique vit aussi le développement d'une nouvelle iconographie célébrant la Vierge, à l'opposé de la thématique apocalyptique de l'époque romane. Riche de changements dans tous les domaines (architecture, sculpture, peinture, enluminure, etc.), l'art gothique s'effaça peu à peu face à la Renaissance italienne.
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L'art roman distingue, en histoire de l'art, la période qui s'étend du début du XIe siècle à la fin du XIIe siècle. Révélant une grande diversité d'écoles régionales, chacune démontrant ses spécificités, l'art roman, dans l'architecture comme dans la sculpture, est marqué par ses formes brutes. Cet ouvrage nous propose de découvrir les édifices romans d'Europe majeurs, les sculptures et les peintures de cet art médiéval.
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Au cours de l'histoire, nombreuses sont les guerres qui changèrent le paysage politique et culturel du monde. Source de bouleversements, de destructions et de violences, elles contribuèrent néanmoins à l'évolution de la création artistique. En effet, malgré les événements traumatisants qu'elles engendrent, les guerres inspirent les artistes depuis toujours. Ces derniers immortalisent ces moments dramatiques en des oeuvres qui sont autant de précieux témoignages pour toutes les générations. Ce livre offre au lecteur les illustrations des batailles les plus connues et autres scènes de guerre. Composé de textes d'écrivains célèbres, cet ouvrage s'accompagne, en outre, du texte de référence de Sun Tzu, stratège militaire légendaire de Chine. De l'antique Gaulois agonisant au Guernica de Picasso, ce livre propose un panorama captivant des oeuvres inspirées par les guerres qui façonnèrent l'humanité.
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Raphaël (1483-1520), le peintre et architecte italien de la Haute Renaissance, était un génie de son temps mais était également en avance sur son époque. Avec Michel-Ange et Léonard de Vinci, il forma la triade classique de cette période, et élabora un style riche d'harmonie et de géométrie. Étant l'un des grands maîtres de la Renaissance, et artiste de la royauté européenne et de la cour papale à Rome, son oeuvre comprend des thèmes théologiques et philosophiques variés, notamment des Madones, pour lesquelles il est particulièrement célèbre. Son environnement et son expérience stimulèrent sa propension à combiner les idéaux humanistes à ceux de la religion et le convinrent fermement que l'art est un médium nécessaire à la révélation de la beauté de la nature.
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Nombreux sont les grands écrivains comme Manzoni, Chateaubriand ou encore Rilke qui virent en Michel-Ange l'un des maîtres incontestés du renouveau de l'art occidental. Qualifié de génie, de surhomme, d'énergie créatrice, Michel-Ange incarne l'artiste de la Renaissance italienne, incomparable par l'oeuvre réalisé, si ce n'est à Léonard de Vinci. En témoignent des chefs-d'oeuvre tels que la Pietà, le Davidou encore la chapelle Sixtine .
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Reconnu pour ses nus aux formes généreuses, Pierre Paul Rubens (1577-1640), était un artiste dont la préoccupation première était la sensualité. Ce maître baroque célébrera toute sa vie les plaisirs et l'émerveillement que procure le corps humain, abandonnant les règles sociétales strictes au profit de représentations de nus émouvants et voluptueux. Il estimait que le corps humain était tout aussi naturel que les nombreux paysages qu'il peignait lorsqu'il était jeune.
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Auguste Rodin (1840-1917) fut reconnu de son vivant en laissant libre cours à une oeuvre affranchie et souvent scandaleuse. Il n'était pas rare que les oeuvres qu'on lui commandait soient par la suite refusées. La libération du mouvement et des lignes dans ses sculptures témoigne d'une profonde réflexion sur la matière et le corps. Après un survol historique, cet ouvrage retrace l'itinéraire créatif du sculpteur, explorateur infatigable de la modernité, au tournant du XXe siècle.
Complément utile de vos visites, réelles ou virtuelles, ce livre abondamment illustré propose une plaisante introduction à la vie, à l'oeuvre et au style de Rodin, de la Porte de l'enfer aux dessins érotiques. Il est émaillé de nombreuses citations, de l'artiste et de ses contemporains.
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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) est l'un des plus célèbres peintres impressionnistes français. Influencé à ses débuts par Raphaël et auteur de plus de 6000 peintures, Renoir accordait plus d'importance à la figure humaine qu'au paysage. Ses oeuvres, enrichies par une palette exclusive et propre à l'artiste, nous montrent la vie parisienne de l'époque. Son plus grand chef-d'oeuvre reste le Bal du Moulin de la Galette.
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Incarnation du mythe de l'artiste maudit, Vincent van Gogh (1853-1890) est devenu une référence de l'art contemporain. Expressionniste pendant le courant postimpressionniste, son art fut incompris tout au long de sa vie. Vincent van Gogh réalisa plus de 2000 oeuvres mais n'en vendra qu'une seule. Peintre autodidacte, sa peinture est reconnue pour sa beauté à la fois sensible et âpre. Il est aujourd'hui l'un des artistes les plus en vogue sur le marché de l'art.
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Diego Velázquez (1599-1660) est l'un des peintres les plus célèbres au monde. Caractéristique de la peinture européenne du XVIIe siècle, il travaille pour la cour et les grands de son époque, signant de nombreux portraits. Mais, passionné par la figure humaine, son oeuvre comprend également des bodegones, ces représentations de la vie quotidienne dans les tavernes et les cuisines. Considéré comme le père de la peinture espagnole, il inspire des générations entières d'artistes à sa suite comme Picasso, Dalí ou Bacon. Son mystérieux tableau Les Ménines, qui renferme l'essence de son travail, est aujourd'hui encoreune source intarissable d'écrits et de recherches .
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Condamné par les Nazis comme étant un artiste « dégénéré », Franz Marc (1880-1916) est un peintre allemand dont l'utilisation des lignes sèches et de la couleur exprime de manière éloquente la douleur et le traumatisme de la guerre. Dans des toiles telles que La Mort des animaux, Marc a créé l'émotion brute d'une violence primitive, qu'il a qualifiée de prémonition de la guerre, guerre qui allait être la cause de sa mort à l'âge de trente-six ans.
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La période de la Renaissance débute en Italie à la fin du XIVe siècle et s´étend sur tout le continent européen jusqu´à la seconde moitié du XVIe siècle. La redécouverte des splendeurs de la Grèce et de la Rome antique marque les débuts d´une « renaissance » des arts, en rupture avec les dogmes du Moyen Âge. Nombre d´artistes vont innover aussi bien dans les domaines de la peinture, que dans ceux de la sculpture et de l´architecture. Le réel et l´idéal, le profane et le sacré, le mouvement et la perspective constitueront les thèmes de référence, qui influenceront l´art européen pour les quatre siècles à venir.
Léonard de Vinci, Michel-Ange, Botticelli, Fra Angelico, Giorgione, Mantegna, Raphaël, Dürer et Bruegel sont au nombre de ces artistes qui apporteront une contribution décisive à l´art de la Renaissance.
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Terme entré dans l'usage courant au cours de la première moitié du XIXe siècle, l'art roman distingue, en histoire de l'art, la période qui s'étend entre les XIe et XIVe siècles. Révélant une grande diversité d'écoles régionales chacune démontrant ses spécificités, l'art roman, dans l'architecture comme dans la sculpture est marqué par ses formes brutes. Par sa riche iconographie, au fil d'un texte captivant, cet ouvrage nous propose de redécouvrir cet art moyenâgeux encore souvent trop peu considéré, face à l'art gothique qui lui succéda.
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S'étant développé à travers l'Europe pendant plus de 200 ans, l'art gothique est un mouvement qui trouve ses raciness dans la puissante architecture des cathédrales du nord de la France. Délaissant la rondeur romane, les architectes commencèrent à utiliser les arcs-boutants et les voûtes en berceau brisé pour ouvrir les cathédrales à la lumière. Période de bouleversements économiques et sociaux, la période gothique vit aussi le développement d'une nouvel iconographie célébrant la Vierge, à l'opposé de l'iconographie terrifiante de l'époque romane. Riche de changements dans tous les domaines (architecture, sculpture, peinture, enluminure, etc.), l'art gothique s'effaça peu à peu face à la Renaissance italienne.
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1000 portraits de génie
Victoria Charles
- Parkstone International
- The Book
- 18 Août 2011
- 9781844848041
Si le portrait devait, avant tout, être la représentation fidèle de son modèle, selon des canons strictement définis, cette galerie de 1000 portraits montre, au contraire, combien ce genre fut bousculé au fil de l'histoire et s'avère être beaucoup plus complexe qu'une simple imitation de la réalité. Par-delà la dextérité de l'artiste, l'art du portrait se doit de dépasser l'imitation, aussi juste et précise soit-elle, pour traduire, sans trahir, tant l'intention de son commanditaire que celle de l'artiste. Ainsi, ces témoins silencieux, soigneusement sélectionnés dans ces pages, révèlent, au-delà des visages officiels ou anonymes, une psychologie plus qu'une identité, une allégorie, une propagande politique ou religieuse, ou incarnent, avec justesse, les moeurs de leurs époques. Par son nombre impressionnant de chefs-d'oeuvre, de biographies, de commentaires d'oeuvres, cet ouvrage confronte les différents portraits, exposant dès lors au lecteur, et à tout amateur d'art, le reflet de l'évolution de notre société, mais surtout les bouleversements d'un genre qui, pendant près de 30 siècles de peintures, façonna l'histoire de l'art.
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Véritable électron libre de son époque, William Turner (1775-1851) était considéré comme le maître de la lumière et fut une révélation pour le mouvement impressionniste. Les peintures de ce paysagiste-voyageur s'intensifièrent avec le temps pour quitter définitivement la réalité figurative et offrir une vision lumineuse et transfigurée de la nature environnante. Visionnaire et en avance sur son temps, l'accueil de son art fut sujet à de nombreuses polémiques. Les dernières années de sa vie furent synonymes d'abnégation au profit de son art, et à sa mort il fit une donation de plus de 20000 oeuvres.
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Ce coffret, cadeau parfait pour amateurs d'art ou profanes, offre au lecteur un aperçu des vies et des oeuvres de dix des artistes les plus célèbres de l'histoire. Associant des essais détaillés à des reproductions en couleurs de leurs plus belles oeuvres, ces petites introductions à dix légendes de l'art satisferont certainement votre appétit artistique.
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Aux antipodes de l'obscurantisme médiéval, l'arrivée rapide et imprévisible de la Renaissance s'imposa en Europe du XIVe au XVIe siècle. En plaçant l'homme au centre, les acteurs de cet illustre mouvement changent radicalement leur vision au monde et réorientent leurs recherches esthétiques vers l'anatomie, la perspective et les sciences naturelles. Créateur de talents, la Renaissance a offert à l'histoire de l'art les plus grands noms tels que Botticelli, Raphaël ou Leonard de Vinci dont l'opulente productivité tapisse aujourd'hui les murs des musées du monde entier.
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Pablo Picasso est l'artiste contemporain par excellence. Il incarne à lui seul la notion de rupture que l'on retrouvera dans toutes les avant-gardes, et son oeuvre est devenue pour beaucoup la clé pour comprendre l'art du XXe siècle. Cet ouvrage présente les chefs-d'oeuvres incontournables de l'artiste, Guernica, Les Demoiselles d'Avignon, le Garçon à la pipe et bien d'autres encore.
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Aussi célèbre pour ses toiles magistrales que pour sa santé mentale tumultueuse, Amedeo Modigliani (1884-1920), était un artiste torturé. Victime de tuberculose dont il souffrira à vie, Modigliani reniait sa maladie en menant un style de vie bohème mêlant alcool, abus de drogue et relations amoureuses passionnées. Il réalisait en même temps quelques-uns des plus beaux chefs-d'oeuvre, et son travail bat encore aujourd'hui des sommes record à chaque fois qu'il revient aux enchères. Dans cette fascinante étude de la vie et des oeuvres de Modigliani, Klaus H. Carl, Frances Alexander et Jane Rogoyska offrent un point de vue poignant sur le plus énigmatique des artistes de génie.
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Inspiré dès son jeune âge par le travail de Monet, Paul Signac (1863-1935) était l'ami et le disciple de Georges Seurat qui a mélangé la précision scientifique du pointillisme aux couleurs vivantes et à l'émotion de l'impressionnisme. Ce livre examine la complexité de la technique reconnue de Signac, et présente les détails de certaines de ses peintures les plus célèbres.
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Né en 1860 dans une petite ville de République tchèque, Alphonse Mucha (1860-1939) était l'artiste phare de l'Art nouveau, le mouvement moderne qui balaya Paris dans les années 1910, marquant le retour à la simplicité des formes et révolutionnant le monde de l'art et du design pour toujours. L'Art nouveau était en réalité connu des initiés comme étant le « style Mucha » dû aux nombre important d'imitateurs qui reproduisaient les célèbres tableaux du maître. Aujourd'hui, ses peintures inspirent les couvertures d'albums, de bandes dessinées et autre. Patrick Bade et Victoria Charles offrent aux lecteurs un aperçu passionnant de la carrière de Mucha, illustrée par plus de cent images, allant des publicités des débuts parisiens et des posters pour Sandra Bernhardt aux célèbres et historiques peintures murales réalisées juste avant sa mort, à l'âge de 78 ans, en 1939.
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Non seulement Léonard de Vinci était un peintre hors du commun, mais il était également un scientifique, un anatomiste, un sculpteur, un architecte, un musicien, un ingénieur, un inventeur et beaucoup plus encore. La question serait plutôt de savoir ce qu'il n'était pas ? Durant la Renaissance italienne, De Vinci réalisa de grands chefs-d'oeuvre pour les Médicis et pour le roi François I er. Il suscita l'admiration de ses contemporains qui le décrirent comme un génie universel, curieux et vertueux. Aujourd'hui encore, l'intérêt pour Léonard de Vinci et son oeuvre ne faiblit pas : ses travaux et ses écrits sont toujours soigneusement étudiés par les plus grands experts dans l'espoir de percer un jour l'un des nombreux secrets de cet artiste visionnaire.
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Avec Impression, soleil levant, exposé en 1874, Claude Monet (1840-1926) prit part à la création du mouvement impressionniste qui fit entrer le XIXe siècle dans la modernité. Tout au long de sa vie, il captura les mouvements naturels autour de lui et les traduisit en sensations visuelles. Considéré comme le leader de l'impressionnisme, Monet est mondialement connu pour ses représentations poétiques de nénuphars et de beaux paysages. Il laisse derrière lui les plus célèbres chefs-d'oeuvre qui fascinent encore les amoureux d'art à travers le monde .
